Рідкісний випадок - в цьому році московська музейна аудиторія познайомилася - з різницею всього в один місяць - відразу з трьома масштабними проектами, присвяченими костюму: виставкою «DIOR: Під знаком мистецтва» (ГМИИ ім. О. С. Пушкіна) нас ощасливила Франція, експозиція «Творці Мрій» (Фонд культури «Катерина») прибула з Канади, а збори «20 Костюмів для Росії. Іспанські дизайнери - діалог з літературою »(Всеросійський Музей декоративно-прикладного та народного мистецтва) було представлено Іспанським Інститутом Зовнішньої Торгівлі (ICEX), за підтримки Міністерства культури Іспанії, Асоціації модних дизайнерів Іспанії (ACME) та Інституту Сервантеса.

Мрії і тканину

«Творці Мрій» представили глядацькій увазі сценічні костюми, взуття, аксесуари знаменитого цирку Сонця, Cirque du Soleil, які зайняли два просторих поверху Фонду культури «Катерина».

Історія Cirque du Soleil починалася в маленькому канадському містечку неподалік від Квебека. Там, тридцять років тому, на початку 1980-х років з'явилася вулична театральна трупа (ходулісти, жонглери, танцюристи, глотатели вогню, музиканти), заснована Жілем Сте-Круа. Це були Ходулісти з Бе-Сен-Поль (Les Echassiers de Baie-Saint-Paul). Мешканці містечка були в захваті від молодих виконавців, серед яких був і майбутній засновник Cirque du Soleil Гі Лаліберте. Трупа веселих ексцентриків створила Клуб Високих Підборів (Le Club des Talons Hauts), а пізніше (1982-1984) організовувала культурні заходи La Fete Foraine de Baie-Saint-Paul.

У 1984 році (рік святкування Квебека 450-річчя відкриття Канади мореплавцем Жаком Картьє) Гі Лаліберте запропонував міській владі створити шоу Cirque du Soleil, переконавши організаторів в успіху цього починання. Так Cirque du Soleil створив новий жанр циркового мистецтва, що поєднує театр, хореографію, акробатику і інші види виконавських мистецтв, єдиний виняток - в ньому ніколи не були задіяні тварини, борошна яких, на жаль, до сих пір ласощі для інших шапіто.

За ці роки на уявленнях Cirque du Soleil побувало понад 100 мільйонів глядачів. Тоді в 1984-му році в Cirque du Soleil працювало 73 людини. Сьогодні цей колектив (міжнародна штаб-квартира базується в Монреалі) налічує понад 5 000 осіб, що працюють в різних трупах. Цікаво, що з 1992 року Cirque du Soleil не отримує ніяких субсидій і грантів від держави або приватних осіб.

Трупа одночасно! показує дев'ятнадцять шоу! в різних куточках світу. Артисти і персонал представляють майже 50 країн і кажуть на 25 мовами. У штаті колективу трудяться люди майже 100 професій, працює 1 300 артистів і для кожного костюма обов'язково виготовляється запасний. Одночасно по всьому світу подорожують близько 4 500 костюмів.

Костюми - родзинка справи.

Всі костюми Cirque du Soleil створюються індивідуально, і основна їх частина виробляється в монреальских майстерень компанії. Майстри проводять близько години за зняттям ретельних мірок з конкретного артиста. Найближчим часом передбачається впровадження абсолютно нової системи, яка дозволить знімати мірки всього за 30 секунд.
Масштаби костюмного конвеєра вражають.

Понад 400 майстрів розробляють текстильний дизайн, взуття, капелюхи, перуки. Тут щорічно виробляють близько 3 000 пар взуття. Тільки в цьому році Майстерні створять більше 20 000 елементів костюмів, на які витратять 150 км тканини. 80% тканин обробляється і забарвлюється в майстернях фахівцями з текстильного дизайну.

Команда майстрів постіжерскіх мистецтва володіє однією з найбільш складних і трудомістких технік створення перук, які гачком кріпляться до основи. Найскладніший перуку - це перуку Діани з шоу KA. Його виготовлення займає до чотирьох тижнів. Потрібно інтегрувати в основу два конуса під пучки, після чого перуку збирається волосок до волоска. Потім перуку підстригають і укладають. Його оновлюють чотири рази на рік.

Експозиція «Творці Мрій» розмістилася в п'яти залах. Спочатку йдуть маски з ранніх постановок Cirque du Soleil, в цьому сегменті видовища на стендах нам показаний покроково весь процес створення образу. В одному із залів демонструються відеосюжети, що розповідають про створення шоу, про пошитті костюмів, про нанесення гриму і інші подробиці закулісного кухні уявлення. Завершується виставка алле-парадом 25 костюмів з різних шоу.

Любителям театру і знавцям сценографії представилася унікальна можливість зрозуміти природу переодягання, простежити ауру творчості.

Виставка відкриває завісу таємниці створення Вистави, розповідає про технічні секрети майстерності костюма. Так Кришталевий людина в шоу ТОТЕМ символізує життєву силу. Його сліпучий костюм повністю покритий невеликими дзеркальцями і кришталиками. Ці обладунки з блиску перетворюють актора в інтенсивний згусток енергії, коли той як божество спускається з небес в промені чистого білого світла. Переливається жива мозаїка складається приблизно 4 000 дзеркальних фрагментів трьох різних розмірів і 155 кришталиків, які закріплені на еластичному оксамитовому трико.

Це пекельна праця кропітких рук і пильних очей.

«Творці Мрій» попутно розповідають і про історію Cirque du Soleil - так тут виставлено костюм одного із засновників Цирку, художнього керівника Жиля Сент-Круа (Шоу La Légende d'Alexis le Trotteur; худож. По костюму - Жиль Сент-Круа), в якому він в 1984 році вперше пройшов на ходулях від маленького містечка Бе-Сен-Поль до столичного Квебека, щоб привернути увагу до свого проекту.

Поєднання краси і функціональності народжує прагнення майстрів розширити межі генеруються ідей. До речі, на виставці манекени знаходяться в тих позах, в яких традиційно «живе» костюм, коли він на артиста. Адже тут кожен костюм має свою історію, свої особливості.

Ця скрупульозність не може не захоплювати.

Ось тільки один штрих .... За спогадами керівника костюмерній Жюлі пологовий будинок у костюма Синхронне плавання (Шоу «O», 1998; худож. По костюмах - Домінік Лем'є, худож. По гриму - Наталі Ганьє) виникли складності від зіткнення з водою: « спочатку, костюми для цього номера виглядали приголомшливо, але через два тижні все змінилося. У кожної з 16 дівчат було по два костюми: для першого і для другого спектаклю. Через два тижні всі 32 костюма виявилися безнадійно зіпсованими. Кольори зблякли, а тканину прийшла в непридатність ».

Цей сумний досвід був узятий на замітку.

Костюми Самітник і Водяні метеори (Шоу Varekai, 2002; худож. По костюмах - Еіко Ішіока, худож. По гриму - Н.Ганье) виготовлялися вже з урахуванням ергономічних показників і під наглядом фізіотерапевтів. Наприклад, виконавець ролі Пожежника в шоу LOVE (2006; худож. По костюмах - Філіп Гійотель, худож. По гриму - Н.Ганье) пересувається на сходах Кобута, що важить більше 800 кг (1 800 фунтів). Крім набивного костюма з м'язами він також одягає тонку майку, яка імітує татуювання на тілі, а спеціальний грим створює враження наявності бороди до самих плечей.

Художник по тканинах Елен Аллар згадує, як непросто довелося створювати костюм Барона (Шоу Saltimbanco, 1992; худож. По костюмах - Д.Лемьyo, худож. По гриму - Жан Бежен і Н.Ганье), тому що лінії на костюмі необхідно було креслити тільки за участю людини, для якого костюм і призначається, - тільки тоді, коли костюм надітий на живу фігуру, лінії будуть виглядати акуратно.

У натхненному світом комах Шоу OVO (2009; худож. По костюмах - Ліз штани, зроблені з посипаних прожилками мережив, жало Комара - ірокез з тонких червоних трубочок, у Сарани від костюма відокремлюються кінцівки, що створює враження що відбувається навколо атаки комах.

Таких важливих деталей в експозиції сотні ...

Переносячи фарби на матеріал методом випаровування, технологи Cirque du Soleil настільки вдосконалили техніку набивання на кольорові тканини, що тепер можуть руйнувати тканину і для того, щоб зробити її менш еластичною, і з метою надання їй металевого глянцю. Так оптоволокно, вплетене в тканину-органзу костюма Співачки (Шоу DELIRIUM, 2006; худож. По костюмах - Мішель Робіда, худож. По гриму - Н.Ганье) створює цей мерехтливий ефект.

Або, наприклад, вже готовий костюм Королеви Ночі (Шоу Fascination, 1992; худож. По костюмах - Мішель Крет і Д.Лемьyo, худож. По гриму - Ж.Бежен) був запропонований в рожевих і бузкових тонах. Однак цей печворк, покритий мішурою поверх шовкографії, Лаліберте не сподобався. У новому варіанті пропонувалося велика кількість жовтого кольору, в тому числі і золотого жовтого. А в кінцевому підсумку повернулися до початкового варіанту (рожевому, бузковому і блакитному). Ідея костюма Крот (Шоу CRISS ANGEL Believe, 2008; худож. По костюмах - Мередіт Карон, худож. По лялькам - Майкл Каррі, худож. По гриму - Н.Ганье) також зазнала значних змін, необхідно було, щоб персонаж викликав огиду, щоб бажання його помацати не виникало, тобто щось колюче, шарудить і неприємне. Спочатку це був тарган, який перетворився в пацюка, а потім і в крота.

Коротше, чарами феї з казки про Попелюшку тут наділений кожен предмет.

Розглядаючи виставкові експонати, дивуєшся багатством використовуваного матеріалу в костюмерна майстерень: поліефірна смола з тканинної основою, Крін піна з пластазот, латекс, хірургічні трубки, лайкра і кристалики cristalette, уретан, стрази Сваровскі і крафт-папір, мережа, мережива, уретан, пап'є маше, термоформируемий стирол і поролон, китовий вус, пір'я страуса і ему, шерсть, льон, листя і синтетичні волосся, а для взуттєвих шкарпеток - крокодиляча шкіра і фарба для вітражів ...

Так Спокусниця (Шоу «Zumanity», 2003; худож. По костюмах - Т.Мюглер) виявилася з таким же спокусливим асортиментом підручних засобів - силікон, вініл, лайкра, латекс, фортепіанна струна, китовий вус, пір'я, термообразуемая поліефірна смола (ортопедичний матеріал ), поролон ... А на Шекспірівського Зайця (Шоу «CRISS ANGEL Believe», 2008; худож. по костюмах - М.Карон) вжили фетр, ворс синтетичного хутра і поліефірних смол з тканинної основою. Для Фавна (Шоу «Zumanity», 2003; худож. По костюмах - Т.Мюгле) знадобилися вініл, натуральне волосся, щетина зубної щітки і навіть шерсть яка.

Експозиція виявився багатим на імена художників по костюму: цілих десять костюмів Домініка Лем'є, Марі-Шанталь Велланкур, Тьєррі Мюглер, Франсуа Барбо, Філіп Гійотель, Мередіт Карон, Рене Апріль, Ліз Вандаль ... Дивували художники по гриму - чотирнадцять робіт Наталі Ганьє, свої варіанти гримування демонстрували Жан Бежен, Флоранс Корне, Елені Юраніс, Ів Леблан ... Не відставали художники Рішар Морен (маски), Майкл Каррі (ляльки), Елен Аллар (тканини), Патрісія Руел (аксесуари) ...

Іспанська сюїта

Інший костюмний «акцент» пролунав у Всеросійському Музеї декоративно-прикладного та народного мистецтва на виставці «20 костюмів для Росії (Іспанські дизайнери - діалог з літературою). Концепт виставкового ракурсу - «розмова» костюма і тексту, яким бачить художник по костюму той чи інший твір літератури. При відборі враховувалися різноманітні літературні жанри творів, а також загадковість і привабливість знаменитих жіночих образів.

Проект виник в 2005 році, спочатку це було 12 костюмів для Токіо, Пекіна, Стамбула, Мілана ..., в міру географічного розширення кількість костюмів збільшується. У московській виставці брали участь практично всі провідні іспанські дизайнери, члени Іспанської Асоціації Творців Моди. Світ іспанської літератури в костюмному варіанті виявився багатогранний: Антоніо Гамонеда «Звільнені II», Кармен Мартін гайта «Снігова Королева», Хосе Анхель Валенте «скерований», Анна Марія Матуте «Забутий король Гуду», Мігель Делібес «П'ять годин в Маріо» .. .

На тлі зовнішньої суворості і лаконічності подачі експонатів дуже поетично прочитувалися слова міністра культури Іспанії Анхелес Гонсалес-Сінді: «Хіба з слів можна шити? Щоб створити опуклий образ слід протягнути в письменницьке перо нитку? У інтер'єру і пейзажу є свої потаємні шви? І до речі, де у роману гачки і гудзики? ... Дизайнери зовсім не прагнуть до ілюстративної наочності модного журналу. Їх мета - глибоке проникнення в суть. Чи не показати наряд того чи іншого літературного героя, що не відтворити атмосферу цілої історичної епохи або окремо взятого художнього твору, немає - втілити в тканини саму душу роману або вірші, передати дух книги за допомогою костюма.

Творіння Сервантеса і Толстого, Маріо Варгаса Льоси, Миколи Васильовича Гоголя, Антона Павловича Чехова, Марії Самбрано, Марини Цвєтаєвої, Ани Марії Матуте і Анни Ахматової надихнули іспанських дизайнерів виткати і зшити цю незвичайну виставку ».

Що ж, іспанці подали нам приклад лицарського ставлення до слова.

Полюсами виставки, за твердженням координатора виставки, стали дві жінки, Дульсінея і Анна Кареніна: «одна - дитя Сервантеса - двоїста і ефемерна, інша - творіння російського генія - чуттєва і реальна».

Постачальник Королівського Дому LOEWE - одна з найстаріших у світі фірм з виготовлення предметів розкоші, заснована в Мадриді в 1846 році. Енріке Лоева Роессберг одягнув свою Дульсінеї в чорне хутряне плаття з поні (Мігель де Сервантес «Дон Кіхот Ламанчський»). Дивлячись на елегантний корсетний фасон, не дивуєшся, що такі знаменитості, як Ава Гарднер, Марлен Дітріх, Ріта Хейворт, Софі Лорен або навіть Ернст Хемінгуей, буваючи в Мадриді, незмінно відвідували LOEWE.

Одягнутися в Іспанії означало бути еталоном смаку.

Хуан Дуйос (Juan Duyos), автор костюмів до балету фламенко "Amargo" (Teatro Bellas Artes de Madrid; 2000), побачив «Анну Кареніну» одночасно суворої і розкутою в сіро-рожевій сукні з прозорою спідниці, облямованою лимонно-розмитим кантом, перетягнутий жовтим поясом, і прикривають тіло падаючими листочки. Один з найвідоміших іспанських дизайнерів у світі Роберто Верин (Roberto Verino, 1945) огорнув «Лотову дружину» Анни Ахматової в молочні переплетення стрічок, «цнотливо» оголивши прозорою тканиною всю ліву частину тіла, нагадавши про прозорі соляних кристалах.

Президент Іспанської Асоціації Творців Моди Модесто Ломб (Modesto Lomba, 1962) представляє свою продукцію з 1988 року під маркою Devota & Lomba. У сценічному світі відомі його костюми до багатьох вистав, серед яких костюми до балету Mediterrania (Teatro Principal de Valencia, 1992; хореограф Начо Дуато), до вистав Poeta (Національний балет Іспанії; 1998) і Arte (1998; реж. Josep Maria Flotats) , до шоу Diamantes para una Novia (1997), костюми для вистав танцівниці фламенко Ana Reverte (фестиваль OTI, 1993) і костюми Орнелли Муті для фільму «Tatiana, la muñeca rusa» (1995; реж.Santiago de San Miguel Querejeta). Бачення «Ста років самотності» Габріеля Гарсіа Маркеса у Ломб сконцентрувалося на оптимістичному сонячно-жовтій сукні, легкому, що складається з складених удвічі смуг, скріпленими між собою, так що наступна смуга утворює фалду, нагадуючи кишеньки.

Такі сукні навівають дух фламенко.

Агата Руїс де ла Прада (Agatha ruiz de la Prada, 1960), що представляє свою колекцію на Тижні Моди Сибелес ще з 1985 року, має понад тридцять ліцензій на комерційне виробництво. Її «Свято козла» Маріо Варгаса Льоса став райдужним, по-клоунські святковим - жорстка фактура, як для сумок пакети, абсолютно прозорого плаття з низом наповненим великими кольоровими кулями.

У лауреата премії "T" de Telva як Кращий Національний Дизайнер (2006) Хуанхо Оливи (Juanjo Oliva, 1971) «така далека дорога» цветаевская «Муза» виявилася подібно суворої вавилонської вежі - настільки схоже чорні защипи сформували жіночий силует. Конструкція сірого плаття Амайя Арсуага (Amaya Arzuaga, 1970) до твору Марії Самбрано «Бред і доля» дуже нагадувала вишукану сумочку-торбинку. А героїня Роси Часель «Квартал чудес» у Лідія Дельгадо (Lydia Delgado) здавалася майже вся виткана з чорних зірок-квіток, які кінчиками пелюсток з'єднаних між собою утворювали мереживний малюнок тканини.

Автор жіночих костюмів до музичного спектаклю «Тисяча і одна ніч» (2002; хореограф - Antonio Canales, реж. - Sergio Cabrera) Фернандо Лемоньез (Fernando Lemoniez, 1964) в 1998 проходив стажування в паризькому Ательє Високої Моди Ів Сен Лорана. У 2000-му він повернувся в Мадрид для продовження дизайнерської діяльності. На виставці демонструвалося його плаття до чеховського «Учителю словесності». Однак зеленим кольором в рожевий горошок воно більше нагадало про Наташу з «Трьох сестер».

Так Анхель Шлессер (Angel Schlesser), Який почав свою професійну діяльність в мире моди ще в 1983 году, дуже много працював над кінокостюмамі для багатьох іспанськіх фільмів, в тому чіслі для оскароносного фільму Алехандро Аменабара «Море Всередині» (2004). Але чому образ гоголівського «Невського проспекту» втілився у Шлессера в суворе, асиметричне плаття кольору моченої брусниці, перев'язане темно-червоним оксамитовим поясом розгадати було майже неможливо.

За великим рахунком, ця виставка виявилася більшою грою уяви, ніж видами вечірньої, буденної або театральної одягу, більше - сучасним прочитанням минулого, зчитуванням тексту і перекладанням його в колір і лінії. Маестро іспанських костюмів віддали перевагу голці і ниткам - вітер, бризки моря і зірки нічного неба, а шуму швейних машинок - сомнамбулічному вірші Гарсії Лорки і голізну тел.

Маестро від Діора

Відомо, що Крістіан Діор (1905-1957) не тільки створював костюми до вистав «Школа лихослів'я» по Річарду Шеридану (Théátre des Mathurins; лютий, 1940) і до ряду постановок Ролана Петі в 1950-і роки, частіше він був автором індивідуальних театральних костюмів, як наприклад, для актриси Одетти Жуайє (Odette Joyeux) до вистави «Капітан Сміт» по Жану Бланшону (Théátre des Mathurins; грудень, 1939).

Тим більше повз нього не пройшло кіномистецтво - від костюмів багатьох кінокартин військового часу: «Le Lit a colonne» (1942; реж. Roland Tual) «Le baron fantôme» (1943; реж. Серж де Поліна), «Échec au roi» ( 1943; реж. Жан-Поль Паулин), «Les Petites au quai aux fleurs» (1943; реж. Марк Аллегре), «Au petit bonheur» (1944; реж. Marcel L'Herbier's) ... - до таких фільмів вже мирного часу як «Sylvie et le fantôme» (1946; реж. Клод Отан-Лара) або «Les Tricheurs» (1958; реж. Марсель Карне). Багато чудово пам'ятають створені костюми для Марлен Дітріх до к / ф «Stage Fright» (1950; реж. Альфред Хічкок) і «No Highway in the Sky» (1951; реж. Генрі Багаття), або 14 суконь для Ави Гарднер до фільму « The Little Hut »(1956; реж. Марк Робсон) ... Виставка« DIOR: Під знаком мистецтва »пройшла повз діалогу кутюр'є зі сценічним і екранним мистецтвами. На жаль ...

Розкішну картину в ГМИИ ім. А.С. Пушкіна хотілося б розглянути, не аналізуючи творчість законодавця елегантності і його спадщини в 60 років історії Будинки DIOR (1947-2010), а зосередивши увагу на тактиці експозиції, на ракурсі подачі матеріалу, на оркестровці експонатів. Ігровий шик, види на «статичну» театралізацію побаченого видовища і радував і засмучував, на жаль, цього блиску, на превеликий жаль, на наших театральних виставкових майданчиках немає. А потреба в красі у росіян неймовірна ... тільки за один святковий день 1 травня ГМИИ ім. А.С. Пушкіна діоровского костюми побачили 5,5 (!) Тисяч чоловік.

Такого дорогого і винахідливого шоу, як виставка «DIOR: Під знаком мистецтва», зрежисована француженками - дизайнером Наталі Кріньер і куратором Флоранс Мюллер Пушкінський музей не бачив ніколи. Якби навіть привезли тільки картини, виставлені серед суконь, - від Гойї, Ван Гога, Джона Саржента, Поля Сезанна і Амадео Модільяні до сучасних творів мистецтва і фотографії, - виставка вже була б відбулася. Тут же ці 20 картин майже «розчинилися» в семи виставкових розділах для 110 суконь. Автори ретроспективи Будинку DIOR керувалися ідеєю коментування костюма образотворчим мистецтвом, запропонувавши більш піввікову історію костюма за допомогою строго структурованого експозиційного дизайну. Йдеться про з'єднання колекції справжніх моделей Будинки і творів мистецтва.

Дизайнер проекту «Dior: під знаком мистецтва» - Наталі Кріньер (Nathalie Crinière, Агентство NC), куратор по колекції моделей Dior Fashion Creation - Флоранс Мюллер (Florence Müller). Наталі Кріньер свою освіту отримала в Школі Буль і в Паризькій Вищій школі декоративного мистецтва, згодом організувавши «Агентство NC» (Nathalie Criniere). До числа досягнень агентства відносять виставковий дизайн таких експозицій, як «Портрети в танці» для театру Одеон і «Жан Кокто на рубежі століть» в Центрі Жоржа Помпіду. Флоранс Мюллер закінчила Школу Лувра та Інститут мистецтва і археології (Париж). Для неї було «... дуже важливо, щоб звичайна людина, яка ніколи в житті не потрапить на шоу, зміг побачити ці прекрасні речі так близько. На виставці - це ж навіть ближче, ніж на подіумі. Тому ми готуємося до цього дуже ретельно - одягати манекени виїжджають заздалегідь фахівці. Ця робота вимагає декількох днів і нагадує роботу скульпторів. Вони наколюють сукні на манекени, ліплять форму. Але це лише перша частина. Одягнувши манекени в сукні, ми надягаємо капелюхи, сережки, прикраси, вивіряємо пози і жести ».
Цьому незвичного для нас повазі до ремісничої стороні костюма, до рукоділля образів організатори виставки присвятили цілий виставковий розділ «Ательє, або мистецтво Високої моди» ... Ми опиняємося на робочій кухні діоровского секретів haute couture, завішані ескізами, архівними знімками, що височіє до стелі полками з костюмами в роботі. Дано етапи створення костюмних шедеврів від бавовняної викрійки до ретельного підбору тканин і відбору самих проектів, що заслуговують назви «моделі» до готового результату - подіуму і фешн-фотографій в глянцевих журналах. Нам демонструють за допомогою проекції на білий манекен, як саме кутюр'є заколюють і драпірують сукні. Мабуть, це один з найбільш концептуальних розділів виставки. Адже Майстерня це душа і руки Будинку Dior, де на створення окремих моделей йдуть, часом, тисячі годин.

Зауважимо, якраз саме цей розділ дуже римується з виставками наших театральних художників. Та ж таємниця індивідуальної думки втілена колективною працею однодумців.

Виставка побудована не за хронологією, а за так званим "кодами" Діора - підбір улюблених тем і прийомів у творчості дизайнера або Будинки в цілому. В даному випадку такими темами стали Бал, Сад, Belle Epoque, Тріанон, Подорожі - зокрема, Єгипет. У цих рамках представлені костюми на тлі творів мистецтва, якими вони були натхненні.

Парадні сходи головної будівлі ГМИИ імені Пушкіна була прибрана сірим килимом і заставлена ​​скляними вітринами з манекенами. Клейновская обитель мистецтва замінена на святилище величної розкоші. Зліва - елегантний денний костюм з тієї, найпершою колекції Крістіана Діора, на легендарному показі якої, яке відбулося 12 лютого 1947 року на авеню Монтень в Парижі, у редактора Harper's Bazaar Кармел Сноу вирвалося вигук захоплення "New Look". Праворуч - дещо схожа модель з колекції 1997 го. Ця ретроспектива і підкреслювала спадкоємність метра - Іва Сен-Лорана, Марка Боана, Джанфранко Ферре і Джона Гальяно - збереження діоровского образу вічної жіночності, і відображала ключові для Діора історичні епохи і джерела його натхнення.

Одним з них був сад матері модельєра в Гранвіль. На виставці про сад його дитинства нагадали картини "Яблуня 2" Густава Клімта, "Громадський сад" Вінсента Ван Гога і "Літо в Нормандії" П'єра Боннара. За "Садами" слідують "Бали" - чорні смокінги на чоловіках-манекенах ще більш підкреслили повітряні переливи пишних жіночих туалетів під кришталевий блиск люстр. Партнерами костюмів для жінок-квіток в цьому "вальсі часів" стали великі полотна Вінсента Ван Гога і П'єра Боннара, фотографії Марка Куїнна і об'єкти Джеффа Кунса. Сукням відвели і куточок з меблями, годинами, канделябрами і вазами часів Людовика XVI, доповнений Виже-Лебреном, Гойєю і Фрагонар.

Фіналом «Вальсу часу» стала композиція «Бог і золото», яка розташувалася в апсиді Білого залу, як у вівтарі. Сліпучі золотим сяйвом образи-моделі «жінок-фараонів» весняно-літньої колекції (2004) експонувалися на тлі давньоєгипетського саркофага Ташет III-I століть до н. е. із зібрання ГМИИ в оточенні золотистих флаконів "J'Adore". (До речі, на виставці було і те саме вбрання, що зриває в рекламі аромату Шарліз Терон). Однак така язичницька ілюстрація поклоніння богу золота в музейному просторі все ж збентежила.

Розділ «Тіло і лінія» досліджував «архітектуру сукні». Завдяки представленим в цьому розділі таким творам, як «що стоїть оголена» Поля Сезанна, «Оголена» Амедео Модільяні, «Сфінкс з вулиці Мулен» Анрі Тулуз-Лотрека, фотографій Ман Рея і Андре Кертеша простягається нитка до силуетів ...

Але чим більше вдивляєшся в бенкет ліній, тим більше розумієш, що стиль виставки виявився вже майже не співзвучний витонченої розкоші Крістіана Діора, яке здійснило революцію в світі моди і повернув жінкам післявоєнного часу жіночність і елегантність. На цьому виставковому музейному подіумі витіснена Муза пішла в тінь, домінували ж надмірність і демонстрація. Неонове сяйво над виставковим простором ГМИИ ім. А.С. Пушкіна імені-бренду DIOR, (а не прізвища Dior) скоригував закони музейного поваги, перетворивши в велике дефіле з безліччю дорогих театральних ефектів, в грандіозну рекламну кампанію одну з найзнаменитіших індустрій моди.

Мода і пріль

Вирішальним для враження вважається саме післясмак, яке від виставки Діора виявилося з гірчинкою. ... дороге розкішне виріб від кутюр в обрамленні шедеврів мистецтва створює враження тотальної реклами. Перед нами не тільки костюми, а ще й своєрідні паси вартості, вид на ціни і від цього цінника виникає почуття тривоги, перед нами тільки лише дихотомія товар / ринок, тільки агресія реклами, яка використовує мистецтво як вигідний фон, де музей образотворчого мистецтва - це всього лише - бутик, елітний магазин. Модний бутик відтінений шедеврами Клімта і Ван Гога (останній помер у злиднях, продавши за все своє життя тільки одну картину). До речі, наша фешн-журналістика дуже критично і в досить жорсткій формі справедливо розділила мистецтво і рекламний підхід у виставковому дизайні Наталі Кріньер і кураторському посиланні Флоранс Мюллер.

У подібному посиланні занадто багато прав у «гарніру», а високі технології - лише привід ще болючіше загострити уколи рекламної стратегії.

Так у іспанських художників навіть віддалено відсутні елементи стилю далекого часу і тим більше соціуму, п'ять російських письменників і поетів подані манекенами в вітринах епохи. Часто-густо об'єкти вступали в таємний суперечка з рамами, з духом рекламної подачі, але ж ні Гоголь, ні тим більше Чехов були вітринами споживання. (Пам'ятаю, коли я вчилася на кафедрі теорії та історії мистецтва Історичного факультету МДУ ім. М.В. Ломоносова керівник спецкурсу сучасного мистецтва з гіркотою звернула нашу увагу, що мистецтво все більше і більше стає дорогим, дуже дорогим).

Ця експансія дорожнечі стала сутністю побаченого в Москві.

Зауважимо, як безсоромно якось мимоволі реклама експропріювала естетичні епітети, які завжди були елітарні по суті. Сьогодні мода претендує на словник філософії і готова ось-ось зазіхнути навіть на Хайдеггера, і замінити його заголовки - Буття і Мода, Час і вартість, Сутність і гроші, Річ і товар, Істина і рейтинг продажів. Тепер уже мало для шоку поставити в залі музею пісуар від Дюшана і назвати його словом «фонтан», сьогодні щоб стати подією, пісуар повинен приголомшити вартістю. Наприклад, як у Деміена Херста - 12 мільйонів за труп акули у формальдегіді або його ж робота - череп з 8 601 діаманта.

Виставка трьох візуальних шоу несподівано показує, що різниця між Діором і не Диором стає непереборною.

Так на що завершилася в кінці літа виставці "Домашнє відео": виставка відеоарту / Проект «Home video» (Державний музей сучасного мистецтва Російської академії мистецтв) «домашні» запальні танці Йосипа Бакштейна і Ольги Свибловой (2009) або аматорське «Караоке Марата Гельмана» ( 2010) духом показу і демонстрацією щастя різко контрастували з відеорядом повних трагізму і щемливої ​​непоправності про долі художників Володимира Яковлєва і Звєрєва.

Щоб не бути запідозрений у візуальному обскурантизм зауважу, що самим зворушливим на виставці хоум відео виявився «орнітологічний» епізод епатажного Кирила Серебренникова «Пошуки самого себе. В сторону Маленького фламінго »(6'31 / Болівія. Солоне озеро Уюні; 2010) - підстрибує кадр на сліпучому від сонця просторі по висохлому солоному дну, де режисер наганяє своєю тінню фламінго, птиця шкандибає від похмурої загрози ... і в цій загальній беззахисності двох істот (людини і птиці) прихована рима високого сенсу.

На жаль, мистецтво сигналить про те, що мода стала сильнішою художника.

Комп'ютерні ігри використовують тільки візуально красиві фони, базуючись на фентезі, Аватар, як кульмінація гедонізму як споживацьке ставлення вимагає витонченості, а не грубих черевиків Ван-Гога. Навіть радянська Кабаковская злиденна кімната сприймається нині ідеологічної екзотикою. Контекст обрамлення стає важливим. Занадто важливим.

Світ покривається лаком, інакше його не продати.

І ось підсумок - прекрасна виставка Діора в таємниці сприймається як пролог до великої розпродажу ...

Ірина РЕШЕТНІКОВА

Текст в редакційним виправленням - http://www.strast10.ru/node/2050