На сцені театру Гоголь-центр відбулася прем'єра вистави "Море дерев", режисером якого став Філіп Авдєєв. Вихованець Кирила Серебренникова розповів про прем'єра, про режисерському досвіді і про те, чому сучасне мистецтво - це не страшно.

Фото: m24.ru/Владимир Яроцький

- Прем'єрою лютого в Гоголь-центрі став спектакль "Море дерев" . Як ти вважаєш, у вас все вийшло? Ви продовжуєте працювати над постановкою після першого показу?

- В якийсь момент я зрозумів, що більше не можу рефлексувати і займатися самокопанням. Настав час відпустити ситуацію, перестати переживати за кожен поворот артиста і просто структурувати все, що ми вже зробили.

- Як ти вважаєш, актори впоралися зі своїми ролями, все зрозуміли про своїх героїв?

- Здається, все працює. І це радує. Персонажі (наприклад, у Артема Шевченка) почали накльовується всього за кілька днів до прем'єри, а до цього Артем щось шукав, пробував. Також і у інших акторів. Мені здається, спектакль - дуже жива матерія, тому навіть після прем'єрних показів робота акторів над ним триватиме. І з кожним спектаклем пробивати лінію ролі буде простіше. У нас був дуже рваний випуск, з великими перервами між репетиціями. Артистів весь час було складно зловити: хтось грає в іншому спектаклі, хтось поїхав на гастролі. Кожен раз доводилося збирати всі заново. І, напевно, тільки в січні ми стали репетирувати регулярно.

- Ріналь Мухаметов (актор Гоголь-центру, виконавець головної ролі у виставі "Море дерев") якось сказав, що "Море дерев" - це імпровізація. Як ти знаходиш баланс між своєю ідеєю і імпровізацією акторів?

- Ріналь так сказав, тому що його персонаж - це імпровізація, особливо у другій частині. Але насправді все відрепетировано. Імпровізації не може бути на порожньому місці. У виставі є точно збудовані сцени, в яких актори повинні відчувати свободу, і тільки тоді можлива імпровізація в рамках спектаклю.

- На одній з прес-конференцій Кирило Серебренников сказав, що йому відрадно, що люди перестали ходити в Гоголь-центр як на "Серебренников-бренд", а ходять сюди, тому що знають - що б вони не побачили, - це буде їм близько естетично. Ти відгадав, чому якою б режисер не ставив спектакль, він вбудовується в загальну монолітну лінію?

- Відповідь проста: тут працює чудова команда - і технічна, і акторська. Ми знаємо один одного стільки років, що приходимо сюди не працювати, а дружити і жити разом. У нас у всіх є певний смак, щеплений Кирилом Семеновичем.

- Як тобі здається, така кількість нових вистав, яке ставиться на сцені Гоголь-центру, потрібно більшою мірою акторам як нова їжа для рефлексії? Або для постійної аудиторії, якій потрібно показувати щось нове?

- Ми часто задаємося цим питанням ... "Навіщо так багато прем'єр?" Але це, скоріше, від втоми. Тільки ти випускаєш прем'єру, то відразу починаєш репетирувати новий спектакль, не встигаючи відпочити. Цей темп потрібен, щоб тримати всю трупу в тонусі і не зменшувати обертів. Хоча іноді, напевно, варто робити перерву. Кирило Семенович - людина руху, а в театрі рух - це нові спектаклі. Думаю, наша аудиторія ментально пов'язана з нами. Але, можливо, це просто тенденція часу, що людям все швидко набридає.

Наша аудиторія постійно розширюється, але є люди, які до нас ходять регулярно. Приходять додому з театру і відразу планують, на який спектакль підуть на наступному тижні. Це звичка. Як, наприклад, коли ти почав захоплюватися кіно, прочитав біографію Ларса фон Трієра і вирішив подивитися всі його фільми. Іноді люди дзвонять в касу Гоголь-центру і запитують, який спектакль йде сьогодні і чи є квитки. Їм важливо потрапити на виставу Гоголь-центру, а не на режисера або акторський склад.

Фото: m24.ru/Владимир Яроцький

- Вистава "Море дерев" йде з віковим обмеженням 12+. Це теж свого роду розширення аудиторії, розрахунок на сім'ї, які прийдуть з дітьми.

- Насправді, у нас вже є в репертуарі вистави, які, якщо не на дітей розраховані, то на підлітків точно: "Хармс. Мир" або "Арлекін".

- Як прийшла ідея поставити цю виставу? Це було твоє бажання або Люба Стрижак сама запропонувала інсценувати її п'єсу?

- Все вийшло досить спонтанно. Спочатку була читка: молоді актори розігрували чотири п'єси молодих драматургів. Ми показали п'єсу Люби у дворі театру три роки тому. Всім ця читка запала в душу, і ми вирішили, що будемо ставити спектакль, але хто саме і коли - було незрозуміло. Потім ми випустили "Іоланту", і Кирило запропонував нам з Сашком Горчіліним зайнятися постановкою разом. Ми стали працювати, але потім у Саші змінилися обставини, і я залишився один. Напевно, так і повинно було статися, бо вдвох нам було б складніше випускати цей спектакль.

- Як змінюється аудиторія Гоголь-центру? Чи є необхідність грати якось по-іншому, підлаштовуватися під неї?

- Коли приходить глядач, я не думаю про те, хто прийшов. Мені про це точно думати не треба. Щоб спектакль трапився, я намагаюся простежити свій внутрішній стан і ті зміни, які в мені відбуваються. І якщо спектакль пройшов добре, то він сподобається і бабусі з дідусем, і маленькій дитині. Наприклад, з моменту випуску "Митиной любові" багато що змінилося. Тоді все було по-іншому, обставини інші, я був іншою людиною. А зараз я розумію, що мені доводиться грати себе самого чотири роки тому. Це складніше, тому що тоді це був спектакль про нас, а тепер потрібно відроджувати в собі ці тонкі матерії, щоб емоції були правдивими і живими.

Вистава "Звичайна історія" теж змінюється. Для мене тут головний цензор - Андрій Поляков, музикант нашого театру. Він каже, що йому ця постановка дуже подобається, оскільки в "Звичайної історії" він завжди знаходиться на сцені і бачить, що спектакль завжди різний. Тут наш дует з Олексієм Агроновічем будується виключно на живих поглядах, і кожен спектакль залежить від того, в якому стані ми приходимо в день показу. Тому нам завжди потрібно зустрітися перед спектаклем і подивитися в очі один одному.

- Чи є якісь спектаклі, які тепер у тебе виходять краще, ніж раніше?

- Є загальне відчуття від того, що відбувається. Раніше була якась гіпервідповідальність за все, що робиш. Вона дуже заважала і створювала внутрішню нервозність, і я був дуже нестабільний через це. Поступово ця одержимість початку мене відпускати. І ось зараз, завдяки роботі над "Морем дерев" в шаленому темпі, я ніби остаточно відпустив себе і вийшов на новий рівень. Сталося якесь обнулення, і з цим почуттям мені стало легше жити і простіше працювати. Тепер, коли у мене ввечері спектакль, я швидше підключаюся до цих обставин і не витрачаю так багато часу на зайву рефлексію. Це допомагає відчувати життя гостріше.

Фото: m24.ru/Владимир Яроцький

- Чому ти став працювати над виставою як режисер? Це була якась потреба самому стати "архітектором" і "зліпити" щось з інших людей? Або це було бажання висловити якусь свою думку?

- Ні. Я з четвертого курсу підходив до Кирила Семеновича і говорив, що хочу щось поставити. Ми навіть пробували з Горчіліним ставити "Сон смішної людини" за Достоєвським. Завжди хотілося створити щось своє. Коли ми ще вчилися, Кирило завжди нам казав, що ми не актори, а художники. Професія актора передбачає, що я повинен вбудовуватися в канву, задуману режисером, а коли ти режисер, процес створення починається з першої думки і матеріалізується в великий корабель з величезною командою однодумців на борту. Мені було дико цікаво осилити цей процес. "Іоланта" і "Море дерев" - ті матеріали, які дають мені можливість розвиватися, шукати нові теми і способи для висловлювання.

- Над поетичним циклом "Зірка" Кирило Серебренников запросив працювати різних режисерів. Яке було працювати з Максимом Діденко або Антоном Адасинського? Адже Антон, з одного боку, - великий актор, а з іншого, - молот, який забиває цвяхи.

- Все просто. Макс (Діденко, режисер вистави "Пастернак. Сестра моя жизнь"), Кирило (Серебренников) і Антон (Адасінський, режисер вистави "Мандельштам. Век-вовкодав") - це три різні всесвіти. З Кирилом немає питань. Я з ним давно і знаю весь процес. Макс пустив мене у вільне плавання, сказав: "Я бачу, ти там щось придумуєш. Придумуй". І я йому за це дуже вдячний: створювати персонажа з нуля, коли тебе ніхто не чіпає - це серйозний досвід. А з Антоном було непросто: він не звик працювати в театрі з новим колективом, а ще й з таким, як у нас, який дозволяє собі проспати, запізнитися і ще піти покурити. І тут в його голові почав відбуватися злам шаблонів, коли ми дали йому зрозуміти, що боротися з нами марно. Він якось почав обурюватися, що на обід досить з'їсти яблуко, а ми відповіли: "Антон, нам цього недостатньо!". Я захоплений їм. Я бачу, що він все це сприймає через сильне подолання себе, змінює щось всередині, прилаштовується і існує не в конфлікті, а вливається в колектив. Ми почали з ним працювати в спектаклі "Кому на Русі жити добре", і в цей раз він прийшов до нас уже з розумінням. Він дуже незвичайний і своєрідний людина; живої, готовий на експеримент і відкритий всьому новому. У нього немає зупинки зі словами: "Все. Я ось такий". Це дуже круто.

Фото: m24.ru/Владимир Яроцький

- За час існування Гоголь-центру навколо театру сформувалася певне середовище зі своїми художниками, музикантами, драматургами, акторами, яких ви запрошуєте, які близькі вам естетично. Ви як магніт притягує до себе цих людей.

- Це складні речі. Це люди, які відчувають, що відбувається щось нове, цікаве і нестандартне; які готові до кроку назустріч цьому "нестандартному", до саморозвитку. Ось вони і підтягуються. Антон Севідов (композитор, соліст Tesla Boy, автор музики до вистави "Море дерев") прийшов тому, що ми хотіли, щоб він брав участь. Але він погодився з нами працювати, тому що для нього теж було цікаво подолати щось в собі. Він ніколи не виходив на театральну сцену, будучи персонажем вистави і виконуючи свою музику. Мені здається, що це люди, яким цікаво відкривати щось нове і експериментувати над собою. Для мене творчість - це завжди експеримент у формі і в змісті. Ти ніколи не можеш точно сказати, що буде. Це завжди лабораторія. Ти хочеш сказати, що Гоголь-центр - це ком'юніті? Безумовно. Кирило якось сказав, що Гоголь-центр - це те, що ми сьогодні читаємо, з ким ми сьогодні дружимо. Безумовно, є люди, які щодня проходять повз Гоголь-центру, але вони ніколи в житті сюди не зайдуть і не зрозуміють, що тут відбувається.

- Це все-таки закрите ком'юніті?

- Я впевнений, що до нас приходять різні люди. Приходять, щоб зачекініться і зробити Селфі. Але останні йдуть через 20 хвилин. І навіть якщо з десяти нових глядачів три прийшли зробити Селфі і забули про Гоголь-центрі, а хоча б один з них відкрив в собі щось нове, то це вже добре.

- Я трохи про інше. Уяви людини, який приходить ввечері з роботи і вмикає телевізор. І тут йому щось починають розповідати про новий спектакль в Гоголь-центрі. Як йому пояснити, навіщо йому це дивитися і чому не треба боятися сучасного мистецтва?

- Я для себе давно вирішив, що нікому нічого не треба пояснювати і нікому нічого не треба нав'язувати. Людина, коли йому треба буде, до чого-небудь дійде сам. Жодне пояснення сучасного мистецтва Не підійме людини з дивана, якщо він звик сидіти, пити пиво і дивитися КВН. Тільки якщо у нього самого щось екнет всередині, - тоді йому це стане цікаво. І я не засуджую. Можливо, цим людям не потрібен театр. У них свої внутрішні процеси і нехай буде так. Ми завжди пропонуємо до нас приєднатися. Але якщо людині подобається, наприклад, "класичний театр", то ми до нього теж з розумінням ставимося. Адже є й інша крайність - ходити незрозуміло куди. Головне, щоб це було "сучасно". Ми, як мені здається, посередині.

Аудиторія Гоголь-центру змінюється. Люди приходять з батьками, приходять бабусі і дідусі. Наприклад, одна 80-річна пара прийшла на "Звичайна історія", прочитавши про виставу в журналі "Антена". Тобто у нас є спектаклі для абсолютно різного глядача. Є люди, що пам'ятають "Звичайна історія" Табакова в Современнике і хочуть подивитися нову версію. Якщо після перегляду їм сказати, що це і є сучасне мистецтво, то вони скажуть - а, так нічого ж страшного! Люди бояться ярликів, які ми самі навішуємо. Насправді цих ярликів не існує.

Фото: m24.ru/Владимир Яроцький

- О десятій років ти опинився на сцені "Норд-Осту". Що ти зараз про це думаєш і спілкуєшся чи з тими людьми, які тоді виявилися з тобою в одному залі?

- По-перше, одним з них мій друг. Це Рома Шмаков, з яким ми разом граємо в Гоголь-центрі. Були й інші актори, з якими я пізніше навчався і працював. Ми всі були маленькими, і єдине, що я зрозумів для себе постфактум, що в той момент стався якийсь перелом. Зараз я розумію, що це сталося саме тоді, саме тоді я подорослішав. Пізніше ми приходили в театр і продовжували грати той же самий спектакль, але у всіх були зовсім інші очі. Коли загинули люди з акторського складу, у нас запалилося почуття, що треба всіх цінувати і берегти, поки всі живі і здорові ... напевно, це найцінніше, що я зрозумів в десять років.

- У тебе ця "запалення" залишилася? Або це все затирається згодом?

- У мене завжди всередині зберігається це почуття. Іноді я відчуваю дуже сильну ностальгію, бо все фарби і запахи збереглися в пам'яті дуже яскравими. Це світла ностальгія, і чомусь зовсім немає смутку - настільки там були чисті і світлі люди. Моє дитинство - це саме той час. Зараз я працюю в театрі і мене періодично накриває прямо на сцені, коли я бачу всіх хлопців, з якими граю. І розумію цінність того, що все це є саме зараз. І немає нічого важливішого, ніж просто цінувати зараз, оскільки що там буде далі - ніхто не знає.

Катерина Кінякіна, Володимир Яроцький